Ya está disponible la primera librería de imágenes de Rueda&Sobrevive

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miércoles, 11 de mayo de 2011

Terminando cosas atrasadas.

¡Hoy es un día de actualizaciones!

Hace un tiempo os mostré algunas imágenes de un micropiloto que hicimos para pasar el rato. Lo que tenía de especial lo que hicimos  fue el chroma y aunque falta por poner la voz en off que queríamos he decidido subirlo ya.


Esto dio paso a una micro webserie de 4 capítulos, dirigidos por Bertolt  Salvago (Dual: Herederos del Pasado) y que en el blog ya publiqué una crónica de un par de días de grabación. Actualmente está en proceso de postproducción que lo esta llevando a cabo Daniel Rosso, más conocido como Darr. Os muestro el blog de este artista digital http://www.danielrosso.com/ .

Espero que os guste.

PD.: Comentad que no os cobro nada... jeje.

Nueva afiliación, Cine de hoy y de ayer.

Con nuestra vuelta traemos una nueva afiliación un blog de críticas de cine.

El blog se llama "Cine y otras franquicias" y su autor, Daniel Vivas, nos trae información sobre películas que son interesantes de ver. Nos deja la ficha técnica, alguna curiosidad sobre el film y su crítica.

Su autor lo define así el día de su inicio:
"Hoy nace un nuevo blog, uno de tantos que cada día nacen con la esperanza de captar seguidores y de conseguir visitas. Yo solo espero dar a conocer y conseguir que veais alguna película de las miles que se han echo, tanto en este siglo como en el pasado, y que con el tiempo, los que no apreciais una película y que os parezcan todas iguales, podais observar, con detenimiento y un punto de vista crítico, las singularidades que cada película tiene."

¡Un blog para no dejarlo pasar!


Las jornadas de doblaje ya están disponibles.

Tras bastante tiempo de parón, vuelvo a la carga.

Las terceras Jornadas de Doblaje de Saint Seiya que se realizaron el pasado abril en Madrid con varios de los actores de doblaje de la saga clásica ya están disponibles para descargar. El archivo es una .iso para quemar directamente en el dvd.

Contenido del DVD:
- Un menú simple pero muy chulo que me he currado :D. (After Effects y Encore DVD).
- La conferencia de 1 hora y 45 minutos aproximadamente.
- Videoclip con un resumen del día, los ganadores del sorteo recogiendo su premio y la sesión de firmas.
- Galería fotográfica cedida por el fotógrafo oficial de las jornadas de doblaje, Alvaro Marín (Wolfwood para muchos).

Lo tenéis disponible en esta web:

http://www.saintseiyajornadasdedoblaje.es/

martes, 5 de abril de 2011

Saint Seiya Jornadas de Doblaje.

Bueno, como ya todos sabéis fui este fin de semana pasado a grabar las jornadas de doblaje se Saint Seiya, donde algunos de los actores de doblaje de la saga clásica nos acompañaron y charlaron con nosotros.

¿Cómo hacer la grabación? Pues como la de una conferencia.

Lo primero de todo es ver la localización. El local era como un teatro pequeño, con sus más de cien butacas, el escenario y en la parte trasera, la "pecera" de sonido y luces.

Equipo del que se dispone. Disponía de dos cámaras, dos trípodes y cable de audio.

Bien, pues ponemos una cámara atrás, para hacer el plano general y otra a un lateral para hacer los primeros planos. En un principio quería ponerla a la derecha, pero me di cuenta de que iba a estorbar al público por lo que me llevé la cámara y el trípode al lateral izquierdo.

Muy importante no hacer cortes en la grabación, en el momento en el que se empieza a grabar no se para hasta que no acabe el evento o se tenga que cambiar de cinta/batería.

El tema del audio, por lo general, con un enchufe canon (XLR) puedes tirar cable hasta la cabina de sonido desde la cámara mas cercana. Aquí tuve un problema y es que el audio llegaba "rajado" es decir, saturado.

Por lo que en el montaje tuve que tirar del audio ambiente recogido por las cámara que, por suerte, era bastante bueno.


Imagen tomada por Alvaro Marín (Woodwolf, fotógrafo oficial del evento).

Y nada, para el montaje, lo mejor es sincronizar en un punto concreto el audio y video de las dos grabaciones. Poner la pista del general debajo de la pista de video secundaria (la de los primeros planos). Ahí ya lo que hay que hacer es ir cortando los movimientos de la pista secundaria cada vez que se mueva o sea demasiado brusco, ya que la más atractiva es la pista de los primeros planos, se intenta sacar el máximo partido a ella. La pista general puedes sacarla por si hablan actores que no tienes encuadrados en el plano corto o para darle dinamismo al montaje.

Y nada más, en el día de hoy podréis ver online el vídeo de estas Jornadas de Doblaje Saint Seiya. Estoy comprimiendo el vídeo (que dura casi 2 horas) para poder subirlo a http://www.saintseiyajornadasdedoblaje.es/

¡Un saludo!

viernes, 1 de abril de 2011

Este fin de nos vamos pa´ Madrid. SAINT SEIYA 100%

Hola gente.

Este fin de semana estaré en Madrid ya que voy a grabar la terceras jornadas de doblaje de la conocida serie Los Caballeros del Zodiaco. Allí, nuestros actores de doblaje más queridos, tendrán una charla-reunión con aquellos niños que hace 20 años se sentaban delante del televisor y les hacían creer que esos dibujos tenían vida propia.

Tendremos la compañía de voces tan emblemáticas como la de Yolanda Pérez (actríz de doblaje de Atenea), José Lifante (actor de doblaje Cáncer Máscara de la Muerte entre otros personajes), Héctor Colomé (el gran Ikki del Fénix) y a Ángel Amorós (que fue el general marino Crishna de Crisaor además de Shaka de Virgo en su primera aparición). Prueba de lo agradecidos que están los actores con este evento es que decidan repetir su visita como es el caso de José Lifante que ya estuvo en las jornadas del año pasado.

Estas jornadas se iniciaron en 2008 como parte del Salón del Manga de Parla. El evento fue tan gratificante tanto para nosotros, los espectadores, como para los conferenciantes, actores de doblaje, que decidimos hacer eventos anuales. El año 2009 fue el año de la iniciativa, en la que Alex Ramos (Creeper en los foros), decidió hacer otras jornadas y moviendo cielo y tierra en 2010 tuvimos nuestra segunda charla. Y en 2011 la tercera.

El primer año llevé la cámara de un amigo ya que la mía la estaban reparando y me apetecía tener el vídeo y luego subirlo por si alguien quería verlo. Pese a estar grabado con una sola cámara a la gente le gustó. El problema de grabarlo a una sola cámara es que tienes que tragarte los movimientos bruscos que te salgan y que en el cambio de cinta se produce un corte que gracias a Leticou que grababa con su cámara de fotos pudimos salvar el momento ya que fue justo en el comentario estrella (sí, esas cosas pasan).

El segundo año llevé dos cámaras, para hacer una realización. Una la dejé en plano general al final del auditorio y otra en un lateral para hacer los primeros planos de los conferenciantes. De esta manera, cuando cambiaba de primer plano de conferenciante, usaba el plano general y luego volvía al primero plano. Lo mejor de esto es que podía cambiar de cinta sin perder nada, ya que tenía una cámara asegurando la grabación.

Este tercer año, mi amigo se ha marchado a Barcelona y me he quedado con una cámara (como es lógico se ha llevado la suya), entonces he tenido que buscármelas para poder conseguir la segunda cámara y para conseguir el trípode que finalmente he coseguido. Gracias a Gabriel Moya que me ha dejado la cámara y Heriberto Peché el trípode (casi todo en el último momento jeje).

Bueno y ya solo me queda invitaros a todos los que podáis asistir, será  mañana sábado 2 de abril de 2011, en el Centro Cultural Galileo del barrio Chamberí (Madrid). A las 11:00 de la mañana. La entrada es gratuita.

Y para los que no podéis asistir he montado una página web de lo más sencilla pero efectiva para que podáis ver las jornadas de doblaje lo antes posible vía online. Además, podéis ver los vídeos de los años anteriores.

http://www.saintseiyajornadasdedoblaje.es/

¡Un saludo y ya os contaré a la vuelta como ha ido la grabación!

miércoles, 30 de marzo de 2011

La plantilla de script.

Bueno, pues ya tenéis para descargar la plantilla de scritp.

http://depositfiles.com/files/fea3455e7

Como ya dije, no se si será la mejor, pero desde luego es funcional. Si tenéis alguna sugerencia ¡comentad!

¡Un saludo!

lunes, 28 de marzo de 2011

La importancia de tener SIEMPRE una script y claqueta.

Hay gente que por norma general no usa ni script ni claqueta y considera que son puestos desaprovechados y más si no se va a usar el sonido directo. Yo os digo que eso es una gran MENTIRA, y que siempre que podáis tener script y claqueta que lo hagáis porque su función da una gran ventaja en el montaje.

La script. El poner el artículo "la" antes de script no significa que ese trabajo lo desempeñé necesariamente una chica, de hecho, aunque lo desempeñe un chico seguirá siendo "la script"... cosas del cine, es así.

La labor de la script es tomar anotaciones de todos los planos, la numeración de la claqueta, el código de entrada y salida del plano (TC in y TC out), si la toma es buena o no y tener en cuenta la continuidad de los planos por raccord. Para todo eso hay una plantilla de script que mañana os la subiré para que podáis hacer uso de ella. No se si será la mejor pero si que es muy eficaz y si a alguno de los que leéis estas líneas os parece que debería de insertar algún campo más pues decírmelo. Aquí tenéis una foto de las plantillas usadas para la edición del material grabado.


Una vez que capturas el vídeo solo tienes que introducir los TC in del plano bueno y TC out, así tienes donde empieza y donde acaba el plano que necesitas y gracias a las anotaciones de Secuencia, Plano y Toma los ubicarás rápidamente en la línea de tiempo del montaje. Si no tienes ni script ni claqueta ya puedes empezar a ver todos los planos y tardarás 4 veces más en seleccionar y montar.



La labor de la claqueta. El encargado de la claqueta debe de saber en cada momento la secuencia, el plano y toma que se va a realizar. La secuencia y el plano se pueden consultar en el guion técnico y la toma es el número de veces que se realiza el plano hasta queda bien.

Las anotaciones entre claqueta y script deben de estar perfectamente sincronizadas. Si hay algún fallo, la script debe de anotarlo y seguir con la numeración que la calqueta de en pantalla.

El golpecito de la claqueta se usa para sincronizar audio y vídeo cuando el primero se recoge por separado en un dispositivo especial para ello, el D.A.T.. En la línea de tiempo también se puede usar para saber rápidamente dónde empieza el plano ya que en el espectro de audio de referencia de la cámara se verá un pico producido por el sonido de la claqueta.

Una semana antes de comenzar un rodaje que iba a ser largo y tediosos, probablemente el más duro de nuestra vida, nos advirtieron de la necesidad de tener script y claqueta. Nosotros que veníamos de rodar cortometrajes a la aventura, no teníamos ni idea de que fuese necesario... La chica que nos advirtió de ello, era una chica con mucha experiencia que venía de Barcelona de rodajes profesionales (sí sí, de esos que está todo el mundo serio y se gastan millones en realizar películas que no ve ni el tato). Nuestro rodaje era bajo mínimos, no cobraba nadie, pagábamos todos los gastos (desplazamientos, alojamientos y dietas (desayuno, comidas y cenas) y lo poco que quedaba era para la producción del largo, vestuario, fx de maquillaje etc.

- Vale, si es tan necesario, puedo conseguir a alguien que se encargue de ello, y tu, en estos 4 días que nos quedan antes de rodar le enseñas que es lo que tiene que hacer, así cubrimos el puesto.- Le dije a la chica.

-¿Yo? Yo no voy a enseñar a nadie a hacer nada- Me respondió.

Claro, yo me quedé a cuadros, ¿tan difícil era enseñar el trabajo de script y claqueta? la respuesta a esa pregunta es no. El trabajo no es difícil enseñarlo, lo difícil es realizarlo. Al final me medio informé de lo que se necesitaba y si tuvimos script. Posteriormente, tras el primer día de rodaje la chica abandonó al equipo por su propio pie y volvió a los rodajes de presupuesto donde si la entendían. "Pobres murcianicos que no tienen ni idea de cine y quieren hacer una película para llevarla a Sitges..." pensaría ella.


Un año después, la película estaba en el festival de Sitges (2008) y los murcianicos éramos muy muy felices.

martes, 22 de marzo de 2011

Rentabilizar una webserie.

Ya que he escrito yo el artículo que hoy se va a publicar en webseriesTV.es "Rentabilizar una webserie ¿Es posible?" Pues os lo posteo aquí. Últimamente estoy bastante justo de tiempo. Espero poder actualizar con más interesante el jueves.


A menudo nos encontramos con este problema, ¿cómo rentabilizo mi webserie? O ¿cómo financio mi webserie?

Cuando las grandes productoras del mundo no se han lanzado de lleno a este mercado por algo será, ¿no creéis? Y la razón ni más ni menos es que no hay un método claro para que una webserie cubra gastos y además de beneficios, por lo que se mantienen al margen pero sin quitar el ojo de encima. Potencialmente el "mercado" de series online se ha quedado para los cineastas independientes y los colegas que pasan el rato con una cámara.

Lo más importante a la hora de rentabilizar una webserie es tener una web propia, una "casa" por así decirlo. El mail de contacto debe de estar a la vista, nunca sabes quien puede querer ayudarte. Una vez tengas la "casa", tienes que moverla a plataformas de distribución como por ejemplo nuestra página webseriesTV, de esta manera conseguirás que un mayor número de espectadores conozcan tu serie.

Algunas claves para sacar beneficio a tu serie puede ser la venta de merchandising desde la web de la misma, siempre puedes incluir un minispot al final del capítulo para que compren los productos oficiales de la serie.

Otra manera sería el pago por descarga, algunas empresas como depositsfiles pagan por cada 1000 descargas 100 euros. Son muchas descargas ¿lo conseguirás?

La siguiente manera es ya un método clásico, la publicidad, busca patrocinadores. Nuestra recomendación es que busques muchos con una aportación muy baja. Si llegas a alguien (en estos tiempos que corren) y le pides 1000 euros para tu webserie problablemente pase de tí, en cambio, si le pides 50 es probable que te los dé sin ningún problema.

La última es un método en el que requiere confiar en tus espectadores, se trata del botón de donación que ofrece PayPal. La primera temporada de la serie "The Guild" (de la que hemos hablado anteriormente) se financió gracias al dinero de sus seguidores... luego la compró Microsoft.

Espero que este artículo haya sido de ayuda para los productores/as y directores/as que nos siguen. ¡Ánimo!

martes, 15 de marzo de 2011

Regalito de Rueda&Sobrevive

Hola cineastas.

Hoy he decidido que voy haceros un regalo, especialmente para todos los que os gusta toquetear el After Effects, se trata de imágenes de librerías que estoy preparando.

Contiene:
- 1 Cielo en time lapse (perteneciente a la librería que ya esta a la venta).
- 1 Flash de pistola de 9mm. Se ha hecho con un arma de fogueo por lo que el fuego es real.
- 1 Impacto en tierra.
- 1 Humo.
- 1 Atmósfera.

Todos estos efectos son reales y no generados por ordenador como los hay por ahí. Esto hace que tus efectos puedan tener más realismo.

Están grabados en HDV con una resolución de 1440x1080i. Y los puedes obtener en formato .mov. 


Pues nada más, si alguien tiene dudas de como utilizarlos que pregunte por aquí.

Un saludo y que los disfrutéis.


http://depositfiles.com/files/jhpgnxl3t

lunes, 14 de marzo de 2011

Fin de rodaje de "Ciudad del Caos"

¡Ya está! ¡Se acabó el rodaje de "Ciudad del Caos"!

Finalmente acabamos el rodaje de esta miniserie de 4 capítulos. La grabación en chroma no ha sido nada fácil y menos para el director de fotografía, Mario Martínez, que tenía que hacerse sus croquis para ver la posición de los focos en cada plano. Al ser el chroma de una sola pared, los focos tenían que girar según el encuadre de la cámara y la rotación de los personajes.

El último día contamos con la colaboración de uno de nuestros lectores del blog, José Iniesta Chacón, alias Moyo, que participó como pesonaje en la historia.

¿Dificultades añadidas? Apenas un bizcocho en mal estado.... eso hizo que el rodaje del viernes fuese bastante chungo. El jueves todos los del equipo técnico comimos junto al café de "antes de empezar" algunos trozos de bizcocho con chocolate y licor, al parecer no se mantenía muy bien ya que al día siguiente todos estábamos malos del estómago. Nos enfrentábamos a un problema y era el de no poder grabar y aplazar la grabación, pero Bertolt, el director, se marchaba a Tarragona de nuevo y no tendríamos otro día para rodar, por lo que el equipo Catarsis se armó de fuerzas y decidió tirar los planos que faltaban pese al malestar.

Finalmente todo acabó muy bien. Durante esta semana se hará el montaje de la serie y en las siguientes haremos los efectos y probablemente casi de forma paralela el doblaje.

Os iré poniendo cositas para que veáis un poco el proceso que vamos a llevar.

¡Un saludo cineastas!

miércoles, 9 de marzo de 2011

"Ciudad del Caos" Rodaje del 8 al 11 de Marzo.

Gente, ¡¡que os tengo abandonados!!

Esta semana estamos de rodaje. Eso que iba a ser un micropiloto finalmente no ha sido así, va a ser una webserie de 4 capítulos dirigidos por el director de "DUAL: Herederos del Pasado", Bertolt Salvago.

La cosa fue un poco espontánea la verdad, Bertolt dijo que se venía a Murcia una semana y rápidamente hablé con Andrés Costa y en un día y medio tenía escritos los 4 capítulos.

Ayer fue el primer día de rodaje donde yo interpreto a un narcotraficante (me recuerdo mucho al cubano de "Dos Policías Rebeldes 2" interpretado por el español Jordi Mollá, solo que mi interpretación no es tan buena, claro. Y con el detalle de que el personaje no es cubano.)

Necesitábamos esto, necesitábamos un rodaje para disfrutarlo y divertirnos sin olvidar el buen resultado, no queríamos más rodajes "pros", son estresantes y muy serios. Nos hemos reído y nos hemos divertido rodando, ¡¡como en nuestros comienzos!! Hasta el viernes estaremos grabando e interpretando a partes iguales.

Tendremos que doblarlo todo porque la famosa alineación planetaria ha decidido que haga unos días de viento muy bestias y se cuele en el audio.

Os iré informando sobre el desarrollo del rodaje.

Mario Martínez, director de fotografía y actor en "Ciudad del Caos" sentado en la silla mientras Bertolt sostiene la cámara y yo me preparo para actuar.

viernes, 4 de marzo de 2011

¡Nuevo Blog amigo!

Hola cineastas,

Lamentablemente no puedo seguir con la historia de "La aventura de grabar" por el momento porque con lo raro que es que llueva en Murcia... resulta que hoy hay tormenta y no puedo usar la sala de doblaje ya que se colaría el sonido de la lluvia en el tejado y de los truenos que ni son pocos ni son ligeros. En los primeros post os hablé de las típicas "alineaciones planetarias" cada vez que decido rodar algo ¿no? Pues esta es una de ellas...
A ver si este finde puedo grabar el audio y el lunes os comento como queda la obra.

Al margen de eso, le doy la bienvenida a un nuevo blog amigo que quizás algunos conozcáis se llama de Fan a Fan y es de noticias y críticas sobre cine, cómics, videojuegos y libros. Esta muy bien estructurado y la información es muy buena. Os recomiendo que os paséis porque merece realmente la pena. Yo me he enterado de un par de noticias sobre cine que no había visto en otras páginas que frecuento.

También participan en la revista on-line "Cinemascomics" y en el portal Sensacine.com.

Esta es de esas páginas que van a marcadores y se les da un repaso diario nada más comenzar el día y tres más durante el mismo jeje.
http://www.defanafan.com/

¡¡Hasta el lunes cineastas!!


jueves, 3 de marzo de 2011

La aventura de grabar... Parte III

Bueno, ya hemos llegado al proceso de postproducción, ahora estoy solo ante el peligro...

Vuelco las imágenes grabadas al ordenador y hago un premontaje con música provisional para hacerme una idea de como va a quedar. Además, con este premontaje podré saber los planos que necesito en número y en duración de cada uno de ellos. Exporto exactamente los fragmentos que necesito y me los llevo a After Effects, comienza la diversión...

Buscando por internet encontré la manera de hacer una ciudad digital sin utilizar programas complicados de 3D. Este videotutorial idicaba como hacer una ciudad con un par de capas retocadas por Photoshop. Sencillo pero un poco largo de hacer.

Una vez con la ciudad hecha, probé diferentes movimientos de cámara y me vi obligado a quitar la subida a la cornisa que grabamos en la que Juan Carlos caminaba agachado y se levantaba, no porque quedara mal, no, sino porque cometimos el tremendo error de que cuando se marcha de la escena no se baja de ninguna cornisa (por eso es bueno llevar guión y storyboard jeje).

Bien, pues os enseño el vídeo de uno de los planos con un rápido proceso de efectos y de las capas que usé:


Y la imagen de otro de los planos.

prueba 2

Bueno, pues ya esta montado y con los efectos... ¡falta el sonido!

miércoles, 2 de marzo de 2011

La aventura de grabar... Parte II

Hola cineastas, continuamos con este "relato" de rodaje:

Finalmente no tuvimos otra que esperar al día siguiente.

A la siguiente tarde, Juan Carlos y yo lo preparamos todo en el garaje y nos dispusimos a grabar. Para mi sorpresa en el garaje había un carrito de bebé de juguete de mi sobrina. Y pensé ¿porque no?.

Con la cámara encima del carrito grabamos la primera toma, un travelling avant hacia el personaje que se encuentras sentado. Otra lección para esto es que da igual que la caja donde se sienta el personaje sea verde igual que el chroma... lo suyo es taparla con una manta verde, porque si dicha caja no es opaca... mal vamos...

Grabamos los diferentes planos aprovechando las marcas del chroma para trackear más tarde.

Cuando íbamos a grabar la siguiente secuencia pensamos... ¿y si le ponemos un arma?
-¿Que tal un winchester?- Sugerí yo.
-Oh, si, molaría mucho.- Dijo Juan Carlos.
Así que le pusimos un winchester al personaje.

En la siguiente secuencia el protagonista tenía que acercarse a una cornisa y subirse. ¿Problemas? Sí, que el chroma pese a ocupar casi toda la pared, cuando se hace un contrapicado y el personaje se sube a algo, se necesita el techo también de chroma. Bien, a Juan Carlos se le ocurrió la idea de caminar agachado, llegar al punto donde supuestamente está la cornisa y hacer un impulso como que se sube levantándose. Hicimos la prueba y la verdad es que quedaba bastante bien, total , que lo dejamos así.

Y el último plano fue de espaldas, en una pose muy heroica.

Bien, fin del rodaje, ¿cuanto hemos tardado? apenas una hora, sin storyboard, sin guion, sin equipo técnico, calculando a ojo la iluminación... que desastre jejeje..

El hecho de no tener equipo técnico es porque más bien nos lo hemos tomado como una prueba más que como un producto final. Además, que ya veréis que son 4 o 5 planos sin dificultad, por lo que preferimos guardar el sacrificio del equipo técnico para proyectos más decentes.

Os voy a mostrar algunas imágenes de los planos como se rodaron.

Piloto01

Piloto02

Piloto03

Piloto04

Mañana nos metemos en el proceso de postproducción, ¡After Effects a saco!

martes, 1 de marzo de 2011

La aventura de grabar...

Hola cineastas.

Bueno, hoy os voy a contar lo que he estado haciendo esta semana pasada. Que rollo ¿no? Pues no.
Por la mañana, pensando en qué podía rodar rápidamente y que fuese llamativo se me ocurrió hacer un micropiloto de webserie (ahora que tenemos la página amiga de WebseriesTV.es hay que aprovechar).

Lo primero fue pensar ¿que es lo que tengo?
- Un chroma en el garaje.
- Un colega actor.
- After Effects.
- Un mono naranja al estilo preso del corredor de la muerte (Realmente es de Protección Civil, pero no mostrando el logo da el pego perfectamente).

Bien, pues aprovechemos el chroma para dar un entorno impactante y, sobretodo, para abaratar costes de desplazamiento.

Acto seguido empiezo a pensar en la idea, como buen friki, me viene a la cabeza destrucción, protagonista en la cornisa de un edificio con una luna enorme detrás... Justo se conecta al messenger mi amigo actor, Juan Carlos Palazón, y le comento la idea tal cual se me iba ocurriendo. Me dijo entonces de ir a tomar café y hablar sobre esa idea que le gustaba en un principio.

Tomando café llegamos a la conclusión de que el entorno debía ser surrealista, muy de cómic. Él me comento de darle un color rojizo como de fuego a todo. Idea que consideré que podía ser muy buena puesto que el contexto es la destrucción del mundo por parte de la sociedad.

A la vuelta, cuando íbamos en el coche me preguntó ¿lo tienes escrito?, y le respondí que no, que todo sería una voz en off, pero que tenía los planos que quería muy claros. Y tras uno diez segundos pensando me dijo ¿y si lo grabamos esta tarde? Serían las 16:00 horas cuando me lo dijo, puesto que se refería a rodarlo ya. Me pareció cojonudo.

Cuando llegamos a mi casa, busqué el vestuario y nos encontramos con el primer problema... el mono naranja de preso estaba en la lavadora...

CONTINUARÁ...

viernes, 25 de febrero de 2011

Tamaños, colores y luz en la composición.

Ya llegamos al final de la semana y con esto al final del tema de la composición de la imagen. 

Masa y fondo
La masa es todo lo que entra dentro del punto de vista, tanto objetos como personas. Cuantos más sean más complicado será ordenarlos en el plano. 

Es muy importante estar atentos al fondo y a su influencia. Tenemos varios recursos para conseguir que el fondo juegue a nuestro favor:
  • Podemos mover objetos o personas que distraigan o corten el contorno del sujeto.
  • El fondo puede iluminarse con luz más baja.
  • Podemos disminuir la profundidad de campo alejando la cámara para conseguir un desenfoque del fondo. Así destacamos aún más al sujeto principal, desenfocando el fondo y aumentando la sensación de profundidad tridimensional.
**Truco: Si alejas la cámara y tiras zoom, al enfocar al personaje conseguirás desenfocar todo lo que hay detrás consiguiendo una estética de cine. Esto no es necesario si cuentas con ópticas intercambiables, pero por lo general, este no es el caso. Cuidado con los movimientos, ya que con el zoom, el mínimo temblor lo cogerá la cámara de manera exagerada. Además, para conseguir una mayor sensación de tridimensionalidad puedes hacer un enfoque diferencial en el que primero enfoques un objeto en primer plano y luego lo desenfoques dejando ver lo que hay detrás (o viceversa).

Luz dentro de la composición.
Tener en cuenta los colores a la hora de componer es muy importante puesto que las zonas más claras aumentan su presencia.

**Truco: No cometas el error típico de poner una lámpara encendida detrás de algún personaje robándole todo el protagonismo. El centro de interés debe de ser la zona más iluminada.

Colores cálidos y fríos, entrantes y salientes.
El juego de componer con los colores se basa en establecer equilibrios de composición mediante manchas de luz y color. No sólo se logran efectos cromáticos, sino profundidad y perspectiva.
Los colores producen una sensación cálida o fría dependiendo de su tono (los próximos al amarillo crean una sensación cálida y los próximos al azul, fría).
Los colores entrantes corresponden a la gama fría.
Los colores salientes corresponden a la gama cálida.
Los colores cálidos acercan y aumentan aparentemente el tamaño de los objetos,mientras que los fríos los distancian y reducen.

**Truco: No pongáis nunca un fondo rojo a un decorado de televisión ya que se comerá la profundidad (aunque sea el color de vuestro programa o de vuestra región... el rojo en plató, ¡NO!).

Bueno, pues ya esta, ya hemos acabado los conceptos básicos de la composición. Os dais cuenta que rodar una película no es llegar, encender la cámara y grabar ¿verdad? Hay montones de libros que amplían este tema hasta rellenar más de 1000 páginas, pero yo os doy solo lo que se necesita saber si o sí.

¿Que os ha parecido el tema de la composición? Comentad.

¡Nos vemos la semana que viene cineastas!

jueves, 24 de febrero de 2011

Librería de Cielos en Time-Lapse en Descarga Directa y a precio inferior.

Escuchando el discurso de Alex de la Iglesia en la Gala de los Goya me he dado cuenta de que cuando se ofrece un producto físico, hay que dar la opción de conseguirlo en formato digital por un precio inferior. Por ello, tras mucho pensar en como hacerlo, he decidido ofrecer también la librería de cielos por descarga directa a un precio muy bajo. 

El procedimiento para pedir el DVD de cielos en time lapse es muy sencillo:

1º . Envía un correo electrónico a catarsisestudios@gmail.com con tu nombre , expresando que quieres el producto y la forma de pago (paypal o transferencia bancaria).
2º . Recibirás un correo con los datos para realizar el pago.
3º . Una vez realizado el pago y comprobado, recibirás otro correo con la dirección de descarga del material que lleva el dvd.

El precio de la Librería de Cielos en TimeLapse es de:


- Por descarga directa: 5,00€.
- Dvd físico: 19,90€


¡Adelante, no lo dejes escapar!

miércoles, 23 de febrero de 2011

Líneas dentro de una composición.

Hoy vamos a ver el equilibrio y el efecto que producen las líneas dentro de una composición. Una composición equilibrada será muy agradable a la vista y conseguirás captar el interés del espectador. De esta manera existen dos tipos de equilibrios, el equilibrio simétrico y el equilibrio asimétrico:

El equilibrio simétrico consiste en conseguir igualar el peso y tono en ambos lados de nuestra composición y el equilibrio asimétrico consiste en que no exista equilibrio entre los elementos.
La simetría da la sensación de orden y alivia la tensión; la asimetría hace lo contrario, puede causar agitación y tensión haciendo que una imagen no sea monótona.

Ya vimos un pequeño adelanto de las horizontales con el ejemplo que os puse de cuanto debe de ocupar en el cuadro el horizonte.

Las verticales: La primera misión que cumple la vertical situada en uno de los tercios es romper la horizontalidad, dando profundidad a la imagen. Cualquier árbol, farola o columna que aparece en el encuadre dará profundidad.
Al igual que la horizontal, la vertical nunca deberá dividir el encuadre en dos mitades iguales, a no ser que sea la intención del realizador.

Las diagonales: Las líneas diagonales que cruzan el encuadre son el mejor recurso para romper la monotonía que producen las líneas paralelas al marco. Es preferible que las diagonales nazcan o mueran en el vértice del horizonte o en uno de los puntos fuertes de la diagonal es el trazo más importante de la composición.

Líneas curvas: Sugieren gracia y dulzura, pero si aparecen en exceso pueden dar una sensación de inseguridad o desorden. También crean movimiento y dan profundidad.

Y esto es todo por hoy, ya sólo nos queda una parte de la composición. Eso sí, os digo que esto no os va a salir por arte de magia en el rodaje, por lo que recomiendo que practiquéis mucho para que os sea mas sencillo localizar las líneas en el momento de la grabación (No digáis que no os lo advertí).

martes, 22 de febrero de 2011

¡Para componer un plano, antes practica! No es nada sencillo.

¡Hola cineastas!

Seguimos con la composición de los planos, los principios básicos son:


Punto de máximo interés: En pantalla debe de haber un elemento que destaque entre los demás, atrayendo la mirada del espectador. De esta forma hacemos más fácil de leer el plano. En toda composición ha de existir un punto de atracción que destaque de los demás, reclamando el interés.

Límite interno del encuadre: Dentro del encuadre: Los elementos en pantalla tienen que estar equilibrados. Dependiendo del tamaño o del color es posible que un lado de la pantalla "pese" más que el otro.

Gravedad y fuerza visual: El peso visual es la sensación que transmiten los objetos de la composición, de esta manera hay que equilibrar el cuadro.
Los elementos que componen fueza visual, son tres: el punto de aplicación, la intesidad y la dirección.

Los factores que interactuan a la hora de crear una composición son:

Tamaño: A mayor tamaño corresponde mayor peso.
Color: Los colores cálidos pesan más que los fríos.
Posición:
-A mayor profundidad o lejanía corresponde mayor peso. Compensa el mayor tamaño de un objeto cercano.
-Arriba pesa más que abajo.
-A la derecha pesa más que a la izquierda.
Tono: Los tonos claros sobre fondo oscuro pesan más que los oscuros sobre fondo claro.
-A igualdad de fondo, es más pesado el tono que más constraste.
-Un zona negra tiene que ser mayor que otra blanca para contrapesarla. El blanco pesa más que el negro.
Forma: La forma regular es más pesada que la irregular. Una forma compacta pesa más que una dispersa.
Textura: Las figuras con superficie rugosa pesan más que las de superficie pulida.

Todo esto que aquí vemos por separado, realmente en la imagen se junta, y eso complica mucho la tarea. Os recomiendo practicar aunque sea con objetos simplemente.

lunes, 21 de febrero de 2011

¡Encuadra, encuadra! ¡Así!

Hoy voy a explicar lo más básico y necesario para la composición de la imágen, la sección áurea.

La sección áurea tiene su explicación científica, larga y aburrida (por lo menos para mi) por lo que no voy a explicarla. Lo que si que os voy mostrar es el concepto básico:
Esto es una pantalla, monitor o cuadro de una imagen dividido por la sección áurea. La pantalla se divide en tres tramos verticales y tres horizontales de manera que queden 9 cuadros iguales en la imagen. (Con la imaginación claro, ¡suelta el rotulador!)

Puntos fuertes: Se les llama así a los puntos donde se cruzan las líneas formando una cruz. Son los puntos de peso en el encuadre. Todo lo que pongas en esas cruces llamará la atención del espectador de manera especial.

A esta división se le llama la Ley de los Tercios.


Cuando quieras que algo tome importancia a la izquierda, asegúrate de rellenar los 6 cuadros de la izquierda e igual cuando quieras encuadrar a la derecha.

Cuando queremos coger el horizonte nos surge la duda ¿Arriba o abajo? La respuesta es sencilla, lo que quieras que tenga más importancia dale 6 cuadros. Es decir, si es un atardecer y quieres que tenga mas importancia el sol y el cielo que la tierra, dale al cielo los 6 cuadros superiores y a la tierra los 3 inferiores y viceversa cuando lo quieras al revés.

¿Todo claro? Pues mañana más sobre composición.

Me gustaría recordar a todos que hoy acabo de poner a la venta por el blog la primera librería de cielos en time lapse, hasta el 10 de marzo costará 19.90€ y a partir de esa fecha costará 24.90€.

viernes, 18 de febrero de 2011

¡Se un director! Tipos de planos según el movimiento.

Hay que distinguir el movimiento interno que se produce dentro del encuadre, desplazamientos de personajes e incluso direcciones de miradas, del movimiento externo, creado por el desplazamiento del punto de vista de la cámara. De este último el movimiento puede ser de dos formas:

- Sobre un soporte fijo: panorámica.
- Junto a su soporte: travelling o grúa.

¿Qué expresan los movimientos?
- Acompañamiento de un personaje u objeto en movimiento.
- Descripción de un espacio o acción.
- Definición de las relaciones espaciales entre dos elementos de la acción (entre dos personajes o entre un personaje y un objeto).
- Relieve dramático de un personaje u objeto destinados a tener un papel importante en el desarrollo de la acción.
- Expresión subjetiva del punto de vista de un personaje en movimiento.
- Expresión de la tensión mental de un personaje.

La panorámica
Consiste en la rotación de la cámara alrededor de su eje vertical u horizontal sin que el soporte se desplace. Este movimiento está frecuentemente justificado por la necesidad de seguir a un personaje o a un vehículo en movimiento. Existen tres tipos:

- Panorámica descriptiva: Sitúa al espectador en un espacio o en una situación. Tiene un carácter introductivo o conclusivo, o bien evoca el espacio visto por el personaje al mirar a su alrededor.

-Panorámica expresiva: El barrido es un tipo especial de panorámica muy rápida, sugerente, que pasa de un plano fijo a otro, de tal forma, que los detalles de la escena se diluyen en el transcurso del movimiento a causa de la velocidad.

- Panorámica dramática: Su fin consiste en crear relaciones espaciales, bien entre alguien que mira y la escena u objetos mirados, o bien entre uno o varios individuos por una parte y uno o varios por otra. En este caso, el movimiento introduce una impresión de amenaza, hostilidad, superioridad táctica de aquel a quien la cámara se dirige en segundo lugar. Esto lo podéis ver en telenovelas sobre todo.

Desde el punto de vista técnico, podemos realizar dos tipos de panorámicas: la horizontal y la vertical. Debemos, asi mismo, tener encuenta algunos consejos prácticos al hacer una panorámica:

- Las panorámicas más "seguras", mecánica y narrativamente hablando, son las lentas y cortas.
- El sentido más cómodo de la panorámica (para hacerla y para leerla) es de izquierda a derecha.
- La panorámica debe partir de un plano fijo y acabar en otro, también fijo, excepto en el caso de varias panorámicas seguidas, donde es conveniente, no obstante, mantener el mismo sentido de giro.
- La velocidad de la panorámica debe ser constante y acomodada al ojo. No es conveniente cambiar sobre la marcha de velocidad de giro.
- Para efectuar una panorámica de un objeto a otro, es necesario ajustar foco, en caso de que ambos objetos no estén equidistantes.
- Mucho cuidado con los arranques y paradas bruscas. Han de ser imperceptibles.

El travelling
Físicamente el travelling es una plataforma con ruedas sobre unas vías. En esa plataforma se coloca el trípode y el operador de cámara, mientras que un operador de trávelling la empuja para realizar el movimiento. Se conoce como Dolly-cam al sistema de desplazamiento de la cámara sobre ruedas sin vías. Con ella se pueden hacer travellings de manera más libre. En los estudios de televisión se suele usar el Elemack, que es una dolly mucho mas robusta y pesada.
Existen varios tipo de travelling:

- Travelling hacia adelante o avant: Es el más interesante por ser el más natural. Corresponde al punto de vista de un personaje que avanza, o bien a la dirección de la mirada hacia un centro de interés. Cuando la cámara avanza, lo hace descubriendo y describiendo a la vez unos personajes, movimientos o situaciones.
Expresivamente se pueden distinguir dos usos:
- Empleo objetivo: La cámara adopta el punto de vista del espectador. Somos nosotros quienes nos acercamos.
- Empleo subjetivo. La cámara adopta el punto de vista del personaje. Es él quien se mueve.

-Travelling hacia atrás o retro: Es muy expresivo. Puedo tener varios sentidos:
- Conclusión.
- Distanciamiento en el espacio.
- Acompañamiento de un personaje.
- Transformación moral.
- Soledad, impotencia.

Es un movimiento muy empleado en finales de secuencia y de historia.

-Travelling lateral: Suele ser descriptivo, aunque también puede ser de acompañamiento cuando circula paralelamente a un movimiento del sujeto.

-Travelling circular: Suele empelarse para crear atmósferas densas, girando la cámara en torno a un personaje o grupo de ellos. Puede producir una sensación de agobio, acoso o vértigo.

-Travelling vertical: Es poco empleado y su única finalidad es acompañar a un personaje en movimiento. No obstante puede tener un gran efecto expresivo.

-Travelling óptico o zoom: Se trata de un acercamiento sin mover la cámara de su sitio. Este movimiento no es muy estético y se recomienda no usarlo a menos que sea necesario narrativamente.

*TRUCO: Para realizar un travelling con "presupuesto cero", puedes valerte de cualquier cosa con ruedas, silla de ruedas, carricoches, carros de la compra (el problema de estos es el ruido), incluso, he llegado a usar un coche con alguien en el maletero (con la puerta abierta claro) grabando a otro en bicicleta. Esto último es peligroso, no os recomiendo que lo hagáis.

La grúa
Se trata de una combinación indeterminada de travelling y panorámica, realizada por medio de un dispositivo con un brazo (llamado pluma), en cuyo extremo se sitúa una plataforma con el soporte para la cámara y su operador y que, montado sobre unas vías de travelling u otro vehículo, permite realizar movimientos en todos los sentidos.

Es un movimiento con dificultades para integrase en la narración, si no es con un carácter meramente descripitvo o estético. Es el sistema más usual de planificar un plano-secuencia.

Otro dispositivo que se puede acoplar en la grúa para dar una mayor movilidad es la llamada "cabeza caliente", que consiste en un soporte para la cámara que le permite hacer movimientos controlados por el operador de cabeza caliente.

El steady-cam
Es un dispositivo estabilizador que, montado sobre un arnés que lleva el operador, permite, mediante un sofisticado sistema de contrapesos, una libertad total de movimientos a la cámara, que queda liberada de vías, trípodes, grúas, etc. Supuso una notable revolución expresiva, pues permite realizar la "cámara en mano" con una estabilidad nunca conseguida, el plano secuencia adquiere una nueva dimensión.

La Spidercam.
Es una cámara que mediante un cable de acero se balancea. Si queréis ver el uso de una de ellas podéis ver los extras de Mission: Imposible 3. Cada vez se está usando mas para escenas arriesgadas y de acción.

La Wescam
No, no me refiero a la que tienes en tu ordenador (weBcam), si no a una cámara que se instala bajo helicópteros o avionetas para tomar planos aéreos muy utilizados como recuros.

Ya hemos acabado con los planos, debido a que esta semana no he podido actualizar todos los días, el último capítulo ha sido un poco extenso. La semana que viene nos metemos en el encuadre y puede que veámos algo de iluminación.

¡Hasta luego cineastas!

jueves, 17 de febrero de 2011

¡Se un director! Tipos de planos según angulación y punto de vista.

Bueno, un poco tarde pero llega, la siguiente lección sobre los planos, esta vez dependerá de la angulación de la cámara, tanto en su vertical como en su horizontal.

(1)Plano Cenital: En el que la cámara está situada completamente encima de la figura, en su vertical.

(2)Plano Picado: Es aquel en el que la cámara está emplazada por encima de la mirada. Psicológicamente produce la sensación de inferioridad, empequeñece. Puede sugerir sentimientos de compasión hacia el personaje.


(3)Plano Contrapicado: La cámara se encuentra por debajo de los ojos del sujeto, el cual queda enfatizado, agrandado y adquiere una dimensión psicológica mayor.

(4)Plano Nadir: La cámara está emplazada debajo del sujeto.



Plano Aberrante: Se varía el ángulo del eje de la cámara. Este plano es muy impactante, salta a la vista y fue utilizado con mucha frecuencia por el expresionismo alemán. Desde el punto de vista narrativo es muy interesante para poner de manifiesto situaciones o actitudes anormales, teniendo siempre mucho cuidado de compensar las inclinaciones de unos planos con otros.




Según el punto de vista.

La colocación de la cámara es la decisión más importante que toma el realizador en el rodaje. Porque cuando ubicamos la cámara, estamos eligiendo el punto de vista desde el que queremos que el espectador vea la historia.

Así tenemos dos tipos de planos:
Plano objetivo: Es aquel que muestra el punto de vista ideal para el espectador. Como si de una tercera persona invisible se tratase.

Plano subjetivo: Es el que muestra el punto de vista de algún personaje integrado en la acción. Este tipo de planos se utilizan para obligar al especatador a integrarse aún más en la acción.



lunes, 14 de febrero de 2011

¡Se un director! Tipos de planos según el encuadre.

 ¡Planos, planos y más planos! (parte1)

A la pregunta ¿cuando uso este plano? Yo respondo: ¡Cuando quede chulo! Creo que varios de vosotros ya estáis cerrando el blog, a los que os hayáis quedado, gracias por darme una oportunidad de explicarme.

Usar un plano u otro está claro que requiere cierta meditación por lo que quieres transmitir, pero no podemos olvidar la belleza de los encuadres y desaprovechar las composiciones que nos puede brindar un escenario bonito.
Vamos a echar un vistazo a los tipos de planos que existen y cuando se utiliza cada uno de ellos.

La escala de planos


Gran Plano General: El ángulo de visión abarca todo el paisaje, situando los elementos como referencia de acciones. Los personajes, si están, no son reconocibles. Este plano es empleado generalmente al inicio de una secuencia para dar información sobre la localización de la acción. Son exteriores.





Plano General: Abarca todo el escenario y los personajes son reconocibles. Debería de usarse para comenzar las escenas, así se establece una impresión de localización de ambiente. Cuando la acción se ha seguido de cerca durante largo tiempo, se puede recurrir a un plano general para restablecer el espacio en la mente del espectador.








Plano Conjunto: Ángulo amplio pero menor que el plano general. Las personas, siempre de cuerpo entero. El encuadre se ajusta a los personajes. Deja aparte los elementos ambientales y se centra en el grupo humano.










Plano Americano: El plano corta las piernas de los personajes sobre las rodillas. Se le puede sacar partido combinándolo con planos más abiertos y más cerrados. Se utilizaba en el wenstern para mostrar cuando desenfundaban los pistoleros.




Plano Medio: De cintura a cabeza. Establece relaciones más íntimas entre los personajes. Es el plano de la conversación, al permitirnos contemplar los rostros y el lenguaje gestual de las manos. Permite captar gestos corporales amplios y relacionar personajes en aproximación, reacciones, etc.




Plano Medio Corto: De codos a cabeza. Drámaticamente transmite lo mismo que el plano medio.











Primer Plano: De pecho (o de hombros) a cabeza. Es el tipo de plano dramáticamente más potente, por lo que será el que más atraiga la atención del espectador. No es conveniente abusar de él, ya que puedes crear una sensación de agobio en el espectador.







Primerísimo Primer Plano: De la barbilla a la frente. Drámaticamente transmite lo mismo que el primer plano, sólo que es aún más intenso.




Plano Detalle:Todo lo que sea más cerrado que el anterior. Inciden en el detalle para resaltarlo.










Esta semana la vamos a dedicar a los tipos de planos y movimientos de la cámara.

jueves, 10 de febrero de 2011

¡Se un productor! La Propiedad Intelectual de los artístas.

La Propiedad Intelectual de los artistas.

Como dijimos anteriormente un productor debe conocer todos los aspectos de la ley y entre ellos esta la propiedad intelectual.

En una producción amateur toda esta burocracia es innecesaria, pero cuando subes de nivel necesitarás tener claro que obligaciones tienen los actores y que papeles tiene que firmar. La ley de Propiedad Intelectual digamos que comprometen a los artistas a:
  • Permitir la grabación de sus interpretaciones en un soporte físico o digital y debe de realizarse por escrito.
  • Permite la duplicación de las obras audiovisuales. Esto es algo obvio pero que también debe de realizarse por escrito. De lo contrario (y si has tratado mal a un actor durante el rodaje) puede oponerse a que la película se duplique esto traería graves consecuencias a la hora de pasarla en cine y exportarla al extranjero (a menos que decidas de ir con una copia de cine en cine y jugarte la a que se destruya la original...).
  • Autoriza a comunicar de forma pública la participación en los proyectos.
  • Se le reconoce al artista a cobrar un porcentaje de la distribución física y digital (este derecho no puede ser cedido y lo llevan las asociaciones de artistas).

¿Cuando una interpretación está libre de derechos? Pues pasados 50 años desde que se inició la distribución pública. Es bastante menos que los derechos de las obras de los autores, que son libres cuando pasan 70 años después de su muerte.

Luego tenemos una serie de "derechos morales" de los artistas:
  • El derecho de autorizar en exclusiva el doblaje de su actuación en su propia lengua (por eso hay que expresarlo en el contrato).
  • El reconocimiento del nombre en sus interpretaciones.
  • Y oponerse a cualquier deformación de su interpretación de manera que haga daño a su prestigio o reputación (esto suelen ser los montajes chungos que hacen en algunos programas de televisión... algunos actores deberían conocer sus derechos).

Los "derechos morales" pertenecen al artista durante su vida y a sus herederos durante 20 años desde la muerte del artista.

Mañana una clase de dirección.

Hasta luego cineastas.

miércoles, 9 de febrero de 2011

¡Se un productor! Las cláusulas necesarias. Segunda parte.

¿Cómo hacer un contrato a directores, guionistas, compositors y actores? (Parte 2/2)

Continuamos con las cláusulas del contrato:

Derechos de propiedad intelectual. En esta cláusula se debe dejar constancia de que el contratado cede sus derechos de propiedad intelectual y es recomendable que también se expresen los medios por lo que se va a difundir la obra.

Emisión. Es dificil saber cuando se va a emitir la obra cuando aún no has empezado a rodar. Por eso, en esta cláusula es recomendable poner algo así como "La productora no adquiere compromiso alguno respecto a la fecha de emisión de la obra audiovisual", y así te curas en salud.

Servicios para el actor(en caso de que el contrato vaya dirigido a actores). Esta parte solo es para dejar constancia de que la productora se compromete a proporcionar al actor vestuario, maquillaje y peluquería.

Publicidad. Aquí se debe reflejar el compromiso del contratado para la promoción y publicidad de la obra y si la productora va a correr con sus gastos en estos caso.

Promociones (actores). Según el Convenio Colectivo el actor se compromete a permitir el uso de imágenes promocionales y materíal biográfico para la promoción de la obra siempre y cuando no comprometa la integridad y la privacidad del actor. Esto aunque venga por convenio es muy recomendable dejarlo claro.

Doblaje. En ocasiones se opta por doblar la obra. Hay que dejar claro quien va a doblar a cada actor, tanto si son ellos mismos como si serán los actores de doblaje.

Exclusividad. Esto es un pácto en el que el contratado se compromete a no hacer ningún trabajo ajeno a la obra a la que se hace referencia en este contrato durante el tiempo que se acuerde con la productora (generalmente desde el rodaje hasta la promoción). Esto tiene validez dentro del mismo gremio, es decir, un actor firma exclusividad para tu película de cine, pero esto no quita para que trabaje en teatro mientras o televisión. Por supuesto, hay que dejar constancia de la remuneración ya que esto puede suponer perder trabajos importantes al actor.

Títulos de crédito. En esta cláusula se decide en que posición va a aparecer el contratado en los títulos de crédito. Ya sea por orden de aparición o por caché.

Condiciones resolutorias. Aquí hay que dejar claro de que manera se puede resolver el contrato en caso de incumplimiento o mutuo acuerdo. (Aquí es donde se deja claro de forma no explícita que si entra una productora con mayor poder se puede quitar de un plumazo a quien quiera, tanto a coproductoras como a directores, actores... una putada... pero legal).

Renovación tácita del contrato. En esta parte es donde se explican las condiciones de una posible prórroga del contrato.

Jurisdicción competente. Esta cláusula establece el Juzgado o Tribunal que se encargará de los casos conflictivos que puedan producirse tras la firma del contrato.

Y todo esto es lo que debería de llevar un contrato del mundo del cine y la televisión (y tal y como se están poniendo las cosas, también de internet).

¡Un saludo cineastas!

martes, 8 de febrero de 2011

¡Se un productor! Las cláusulas necesarias.

¿Cómo hacer un contrato a directores, guionistas, compositores y actores? (Parte 1/2)

A menudo nos salta la duda de que debe de contener un contrato para nuestros colaboradores o trabajadores dentro de sus roles en el mundo del cine/televisión. Bien, pues os voy a decir las cláusulas que no deben faltar. Luego ya con acuerdo del contratado puedes ampliarlo. Para hacerlo más ligero, voy a dividir esta entrada en dos partes. Comenzamos:

Objeto. Aquí debe de dejarse reflejado como primer objeto la prestación de servicios por parte del contratado a favor de la productora y como segundo objeto la cesión de derechos de propiedad intelectual del contratado a la productora.

Duración del contrato. En esta sección debe de reflejarse las fechas de rodaje, el número de sesiones (días de trabajo) y el número mínimo de ensayos. Si el rodaje se alarga más de lo previsto el contratado y la productora deben de acordar una prórroga del contrato.

Jornada laboral. Esto es un problema, porque cuando hacemos cortometrajes, sabes a que hora empezamos pero no cuando acabamos. En esta sección hay que estipular las horas de trabajo. Según el convenio se debe dar un descanso de 12 horas mínimo entre jornada y jornada y de 36 horas semanales continuadas. Se puede llegar a 44 horas laborales a la semana con un máximo de 10 horas diarias si la producción lo requiere con un preaviso de 24 horas y compensando económicamente.

Lugar de trabajo. Este punto debe reflejar las localizaciones de rodaje donde va a tener que estar el contratado además del lugar en el que se encuentre para su traslado a la localización.

Periodo de prueba. Esto es un periodo de prueba para asegurarse de que estás contratando a la persona adecuada para el trabajo y así poder deshacer el contrato sin necesidad de indemnización y sin previo aviso. Hay gente que infla el curriculum, esta es la mejor manera de cazarlos.

Remuneración. Este punto refleja el pago que recibirá el contratado. Este puede ser por caché o por convenio. Aquí os dejo la página de los convenios para que os hagáis una idea de lo que se cobra.
http://www.boe.es/boe/dias/2010/09/14/pdfs/BOE-A-2010-14126.pdf
Pasad de vez en cuando por la página del boe porque la van actualizando, este documento es de septiembre de 2010.

Mañana os dejaré el resto de las cláusulas del contrato.

¡Un saludo cineastas!

lunes, 7 de febrero de 2011

¡Corto de superhéroes!

Bueno, para no perder las costumbres, un nuevo cortometraje con pocos medios y muchas ganas, este de superhéroes. Es el resultado de mezclar talento y After Effects.

Disfrutadlo:



Gracias a Bertolt por el aviso.

¿Y vosotros? ¿Tenéis cortos que podamos enseñar? ¡Contactad conmigo, ¿a que esperáis?!

¡Se un productor! Tipos de contratos.

El secreto para ser un buen productor ejecutivo está en saber combinar altos costes, escasa financiación y una precaria distribución. Un productor ejecutivo debería de tener conocimientos jurídicos, económicos, técnicos y creativos para poder coordinar adecuadamente el proceso de la producción.

Existen tres formas de producir una obra:
- Encargo de producción.
- Producción propia.
- Coproducción.

Encargo de producción. Se trata de cuando alguien (por lo general una cadena de televisión) le encarga a una productora la realización de un programa, una tvmovie o un documental. Eso sí, la cadena de televisión corre con los gastos y financiación completa de la obra. La principal ventaja/ desventaja es que si eres la productora te vas a llevar un dinero fijo, no esperes porcentajes si no los has firmado en el contrato con la televisión.

Producción propia. Esto es nuestra especialidad. Con una idea nuestra y financiada íntegramente por nuestros bolsillos se realiza la obra. Esto ha llevado a la ruina a muchos directores que pidieron préstamos y finalmente la obra no llegó a realizarse o no tuvo buenos resultados. No os lo digo para acongojaros, sino para que tengáis cuidado a la hora de poner dinero en vuestros propios proyectos. ¿Lo bueno? Que si hay beneficios solo hay que repartirlos entre los inversores (tu y seguramente tú socio).

Coproducción. Cuando una productora no puede afrontar el proyecto tanto por costes, por medios o por lo que sea, puede buscar otra empresa o productora que quiera ayudar y formar una coproducción. Esto es algo muy normal en el panorama cinematográfico. Incluso es normal que al meterse una productora con mucha pasta echen a otra con menos recursos pero más talento.

A nivel profesional, la producción no la mueve la pasión por el proyecto sino el dinero en juego. Disfruta ahora con tus cortos porque luego cambiará drásticamente.